Saturday, 13 February 2021

Amancio D'Silva ‎– Konkan Dance (2006)

Style: Contemporary Jazz
Format: CD, Vinyl
Label: The Roundtable, Qbico

1.   A Street In Bombay
2.   What Maria Sees
3.   A Song For Francesca 1
4.   Konkan Dance

Bass – Tony Campo
Drums – Dick Wright
Piano – Stan Tracey
Saxophone, Flute – Don Rendell
Sitar – Clem Alford
Tabla – Mick Ripshar
Vibraphone – Alan Branscombie
Acoustic Guitar, Electric Guitar, Voice – Amancio

In the rather cosmopolitan 60’s & 70’s London Jazz Scene, a few Commonwealth Empire-born jazzmen thrived, like the Canadians Ken Wheeler and John Warren, Carr beans Joe Harriott and Harry Beckett, South-Africans Harry Miller, Chris McGregor and a few more. Perhaps, and maybe more surprisingly, there were also two Indians that came to London in the early to mid-60’s: violinist John Mayer and guitarist Amancio D’Silva (of ex-Portuguese Goa province). Both musicians sharing some coincidences, like crossing Joe Harriot’s path at the end of the 60’s, and both founding a group with him and creating some of the first examples of Indo-Jazz Fusion, probably riding on the Beatles’ Maharichi guru wave of curiosity. Both released a few solo albums that received moderate commercial success, but also recording more works that didn’t find a release until the mid-00’s. Even stranger, it’s clearly their best solo works that didn’t get released in the mid-70’s and finally got some posthumous attention (both have departed) by the often-excellent Vocalion Label, through (and with) the help of both artiste’s son some 30 years after the recording sessions. In John Mayer’s case, the album of Dhammapada is the unearthed gem, and in Amancio D’Silva’s case, it is the present Konkan Dance, recorded in 74 at Lansdowne Studio for producer Denis Preston.

Despite both artistes’ similarities discussed above, the resemblance stops there: if Mayer’s works fused jazz, classical and Indian music; Amancio fused Jazz, Indian and Rock/Jazz-rock music on the present album, and managed a better and more convincing fusion than Mayer, probably because his melting cauldron operates at higher temperatures. Among the guests playing on this album are saxman Don Rendell, multi-instrumentalist Branscombe (flute, vibes, Rhodes), pianist Stan Tracey, sitarist Clem Alford (also present on Mayer’s album), and possibly two different two tabla players. Of the four lengthy compositions, two were featured in fairly different versions of his other early 70’s solo albums, both being dedicated to Amancio’s daughters Francesca and Maria. Amancio is primarily an electric guitarist, but he also played acoustic as can be evidenced on the opening Streets Of Bombay, where tables open, to allow Rendell’s superb sax to transport you in the Indian-fusion musical nirvana, with the broody but light&heavy electric guitar hanging just below. The track oozes and reeks of communicative happiness ala Take Five and you can also detect a few light Traffic (the band) influences as well. The following What Maria sees is a bass & Rhodes-driven composition, also featuring Alford’s sitar as the other lead instrument, with drums instead of tablas, and present a rockier side, despite Amancio’s guitar remaining on “restrain” mode.

On what would’ve been the album’s flipside, A Song For Francesca features Amancio on acoustic guitar and it opens rather slowly, later allowing the tabla, than the Rhodes and flute to transform the tune in a magic carpet ride, with Amancio slowly switching electric. The track is pretty repetitive in rhythm, and might have overstayed a tad its welcome, if Rendell’s sax had not come in in the second half. The closing title track is definitely the album’s hard rocker, mainly induced by Amancio’s heavy guitars and some more Traffic influences (circa the Barleycorn or Shootout albums), and again the track oozes positivism and cheerfulness. Even Stan Tracey’s piano sounds like it could be Stevie Winwood’s.

The strange thing about this album is that the session tapes had been mixed and stored (the sleeve artwork was even chosen) and then forgotten about, but not properly archived on the label, and it is by deduction and research that musicians played and which instruments Amancio used. Nevertheless, this still-recent release of a profoundly earthed-in gem of the 70’s British JF/F scene is an absolute must for wild instrumental joyous escapes fusionheads.
Sean Trane / Jazz Music Archives
After decades of neglect, the work of Goan-born guitarist Amancio D'Silva (1936-96) edged back towards the mic last summer with the re-release of his 1969 cross-cultural masterpiece, Integration. A pioneering blend of Indian raga, hard bop and early electric Miles, plus fainter traces of ska, rembetika, Link Wray, Ennio Morricone and more, Integration featured the recently arrived in London guitarist alongside some of Britain's most inventive jazz musicians, including saxophonist Don Rendell and trumpeter Ian Carr, as did his other 1969 album, Hum Dono, co-led with saxophonist Joe Harriott.
In D'Silva's all-too-brief recording career, Integration and Hum Dono are the crowning creative glories, but two other albums, recorded from 1972-74, are almost as important. Konkan Dance and Dream Sequence/Cosmic Eye retained the raga-meets-jazz essence of D'Silva's music, but the first added a tab of acid rock to the mix, and the second added a handful.

Although tapes of Konkan Dance have circulated privately, and the opening track, "A Street In Bombay," was included on Gilles Peterson's Brit jazz compilation Impressed 2 in 2004, this is the first time the album has been officially released. It comes with well researched and informative liner notes by D'Silva's guitarist son, Stephano (who has also put together a great website covering his father's life and music).

The textures, if not the structures, of D'Silva's native Indian musics are more to the fore on Konkan Dance than on earlier albums. There are in effect two sitar players—D'Silva, who plays his guitar at times as though it were a sitar, and Clem Alford, who plays an actual sitar. Tabla players Mick Ripshar and Keshav Sathe are also included in the lineup. Rendell continues to make his uniquely unruly mark on tenor and soprano saxophones, but the drums (probably played here by Dougie Wright, who also appeared on Dream Sequence/Cosmic Eye) are altogether more rock-ish than on Integration (which featured Trevor Tomkins) or Hum Dono (which featured Bryan Spring). Multi-instrumentalist Alan Branscombe adds mostly background prog and acid rock colours throughout.

The first three tracks here are primo D'Silva, in particular "A Street In Bombay," with stirring solos from Rendell and the leader, and "A Song For Francesca," which includes D'Silva's first recorded use of acoustic guitar (an instrument he would concentrate on in later years). Only the title track fails fully to survive the passing decades. Its fuzz box 'n' power chords theme today sounds rather pedestrian and worn out. But this is an important—and massively enjoyable—release, only available now, 33 years after it was recorded and ten years after D'Silva's passing.
Chris May / All About Jazz 

Ornatos Violeta ‎– O Monstro Precisa De Amigos (1999)

Style: Alternative Rock
Format: CD, Vinyl
Label: Rastilho Records, Polydor, Universal Music

01.   Tanque
02.   Chaga
03.   Dia Mau
04.   Para Nunca Mais Mentir
05.   Ouvi Dizer
06.   Capitão Romance
07.   Pára De Olhar Para Mim
08.   O.M.E.M.
09.   Coisas
10.   Nuvem
11.   Deixa Morrer
12.   Notícias Do Fundo
13.   Fim Da Canção

Bass – Nuno Prata
Drums – Kinorm
Guitar – Manel Cruz, Peixe
Piano, Keyboards – Elísio Donas
Vocals – Manel Cruz
Written-By – Ornatos Violeta
Arranged By – Ornatos Violeta
Producer – Mário Barreiros
“O Monstro Precisa de Amigos”, segundo e derradeiro álbum dos Ornatos Violeta, saiu há precisamente 20 anos.

A 22 de novembro de 1999, a banda do Porto apresentava o sucessor de “Cão!”, lançado dois anos antes.

Antecipado pelo single 'Ouvi Dizer' e produzido, tal como a estreia, por Mário Barreiros, “O Monstro Precisa de Amigos” tornaria mais populares os Ornatos Violeta, que no entanto se separariam, três anos mais tarde.

Em 2019, o quinteto está de volta aos palcos; depois de vários concertos nos últimos meses, a última data está marcada para o Campo Pequeno, em Lisboa, a 6 de dezembro.

Para assinalar o aniversário, chega hoje às lojas uma caixa especial de “O Monstro Precisa de Amigos”.

Com um artwork renovado, que reflete o olhar do designer (Koia Studio) sobre o universo da banda, esta caixa inclui o CD, de grafismo renovado, um vinil branco e uma cassete (formato em que a música dos Ornatos Violeta nunca tinha sido editado).

Hoje chegam também às lojas edições individuais, em vinil, de “O Monstro Precisa de Amigos” e “Cão!”, com o grafismo original.

Em setembro de 2015, a revista BLITZ incluía “O Monstro Precisa de Amigos” numa lista de melhores álbuns de sempre feitos no Porto.

Recorde aqui esse artigo.

Reza a lenda que o título do segundo álbum dos Ornatos Violeta nasceu num sonho de Manel Cruz, voz escrita e cantada da banda do Porto. Ainda que o significado da frase, tal como o de tantos sonhos, nunca tenha sido totalmente decifrado ou revelado pelo músico, a escolha de “O Monstro Precisa de Amigos” para nome do disco apontava, desde logo, numa direção muito distinta da de “Cão!”, a estreia de Cruz, Peixe, Nuno Prata, Elísio Donas e Kinörm, dois anos antes.

Onde “Cão!” era sexo e alguma fúria, humor desbragado e a vontade inigualável de dizer tudo pela primeira vez, de uma só vez, “O Monstro…” revelava, em consonância com a sua inspiração onírica, uma faceta mais nebulosa e introvertida, menos sôfrega e juvenil. Dos pontos cardeais de “Cão!” – Violent Femmes e Red Wing Mosquito Stings, segundo os próprios autores, sempre no altar; os Red Hot Chili Peppers por perto, espreitando naquele funk-rock ginasticado mas assaz personalizado – os Ornatos Violeta dão em 1999 um salto de elegância felina, aterrando num planeta algo diferente. 'Tanque', primeira canção do disco, surpreende desde logo pela atmosfera carregada, algo monolítica, e pelo uso de programações, algo que se repete, mais à frente, na imponente 'Coisas', uma das composições mais buriladas da banda.

Desde sempre um ponto importante na construção de uma relação entre os Ornatos Violeta e os seus fãs, as letras de Manel Cruz mantêm-se pessoais e singulares, versando sentimentos universais (amor, perda, traição – em entrevistas, a banda fala mesmo em “dor de corno”, e é provável que a experiência que os cinco encetaram, de viverem juntos na mesma casa durante alguns meses até à inevitável saturação, tenha determinado parcialmente o ambiente por vezes sombrio do disco). Contudo, e por comparação com os tratados de “Cão!” (dono de algumas das letras mais longas e intricadas, ainda que informais, do rock português), a prosa de Manel Cruz perde algum fôlego narrativo para ganhar um impacto mais transversal.

'Ouvi Dizer', o primeiro single, era um êxito à espera de acontecer. À época da edição, não foi além de algum airplay radiofónico, ajudando a banda a conhecer uma maior popularidade, visível na maior afluência aos concertos. Anos mais tarde, e por vias travessas, acabou por catapultar os Ornatos Violeta para uma popularidade “póstuma”, a par de outros pontas-de-lança de’ “O Monstro…”, como 'Chaga' e 'Dia Mau', usados na banda-sonora de uma série televisiva. “Antes de [o 'Ouvi Dizer'] ter nome dizíamos entre nós que era a que tinha um arranjo tipo Roberto Carlos”, contavam em 1999, ano de edição do álbum, ao jornal Expresso. O humor que a banda sempre prezara, e cuja extinção precipitaria o “encerramento de atividades”, permitiu, em 'Ouvi Dizer«, que os Ornatos assumissem o gosto por um certo “nacional cançonetismo”, que a presença de Vítor Espadinha, declamando de forma imponente e sem ironias o monólogo final, ajudava a encarnar.

No final de 2011, na entrevista em que pela primeira vez abordou a possibilidade de um ou mais “concertos de celebração”, Manel Cruz admitia que, na era d’ “O Monstro…”, acreditava que os Ornatos ainda não tinham atingido uma identidade una. “Nesse disco, não achava que os Ornatos já tivessem uma identidade”, disse. “Achava que ainda estávamos na procura, embora formalmente já tivéssemos maior coerência”.

Desde sempre abertos a experiências estilísticas que os fizeram, ao longe de dez anos, 'petiscar' dos pratos do psicadelismo, da pop-cabaré, do rock mais épico e da balada sentida e escorreita, os portuenses continuavam, ao segundo álbum, a atirar em várias direções. 'Chaga', uma das canções mais diretas e infalíveis da banda, nascida a partir de um riff de guitarra de Peixe, é um momento sem paralelo na obra violeta – ainda que “O Monstro…” albergue no seu seio uma “gémea falsa” desta descarga elétrica com letra sentimental, 'Nuvem'. Quer uma quer outra cumpririam, de certa forma, a sua promessa nos concertos de 2012, mostrando uma insuspeita força rock incapaz de ofuscar a força das palavras – mais humildes que no fogoso “Cão!”, invariavelmente sentidas e candidatas, como poucas vezes terá acontecido no pop-rock português, a enfeitar cadernos distraídos e muros de cidades desertas.

Não se haviam eclipsado os Ornatos mais sanguíneos, que nos palcos, desde sempre, faziam de cada concerto uma ocasião de festa: 'Dia Mau', descrita pelo baterista Kinörm como um “fado punk”, recupera, também, a paixão pelo ska numa cadência de corridinho irresistível; 'O.M.E.M.' e 'Pára de Olhar Para Mim' são Ornatos no seu mais teatral e catártico.. Mas, por oposição à euforia fluorescente de “Cão!”, “O Monstro…” pintava-se, no geral, com cores mais suaves e meditativas. “OK Computer”, a obra-prima dos Radiohead que definiu a década de 90, saíra há dois anos e há algo da banda de Thom Yorke na languidez de 'Notícias do Fundo' e na carta de intenções, sem filtros sarcáticos nem pressa de chegar ao fim, de 'Para Nunca Mais Menti'». A dupla 'Deixa Morrer' e 'Fim da Canção', por seu turno, estabelecia-se discretamente no cantinho das melodias mais felizes da banda. Mas talvez não haja momento capaz de definir melhor o estado de graça dos Ornatos, n’ “O Monstro…”, que «Capitão Romance»: a música que esteve para não entrar no disco e que, mesmo com a participação algo alienígena do herói do grupo, Gordon Gano, congrega em tons lusófonos (Cabo Verde, Brasil) e até mediterrânicos um sentimento indizível de saudade e nostalgia. Até hoje, soa-nos a uma banda que, sem querer, tocou no seu próprio âmago – e a seguir acabou, como qualquer sonho bom.
Lia Ferreira / Blitz

Lizzy Mercier Descloux ‎– Zulu Rock (2006 Remaster) (1986)

Genre: Rock, Pop, Folk, World, & Country
Format; CD, Vinyl
Label: CBS, ZE Records, Light In The Attic

01.   It's All My Imagination
02.   Abyssinia
03.   Mais Où Sont Passées Les Gazelles
04.   Dolby Sisters Saliva Brothers
05.   L'éclipse
06.   Les Dents De L'Amour
07.   Wakwazulu Kwzizulu Rock
08.   Momo On My Mind
09.   I'm Liquor
10.   Queen Of Overdub Kisses
11.   Sun Jive
12.   All The Same
13.   Pénélope (French Version)
14.   Confidente De La Nuit (French Version)
15.   Cri (French Version)
16.   Tous Pareils (French Version)
17.   Wakwazulu Kwzizulu Rock (French Version)

Accordion – Allian David, Henry Krein
Backing Vocals – Cassia Kidron, Peter Motico
Bass – David Mabaso
Drums – Fats Mlangeni
Guitar – Richard Hadebe, Sammy Kiaas
Harp – David Snell
Organ – Desmond Malotana, Domesani
Percussion – Hayward Mahlangu
Saxophone – Javas Magubane, Thomas Phale
Trumpet – Steve Siewell
Producer – Adam Kidron

Originally released in France as Mais où Sont Passées les Gazelles back in 1984, Zulu Rock is the re-release of Lizzy Mercier Descloux's third and, for many, best album, with a variety of alternate tracks -- sung in French, often with different titles from the originals -- added to the reissue. Some years before Paul Simon scored both attention and protest for his Graceland album, Mercier Descloux had arguably not only beaten him to the punch but had created a more exuberant and fascinating record -- Simon's studied ruminations can have their place, but Mercier Descloux, simply put, actually sounds like she's having fun. A quote from ZE Records' Michel Esteban -- "this South African music reminded us, as incredible as it may sound, of the Velvet Underground" -- sums up how easily Zulu Rock's blend comes together, rejecting exoticism in favor of kinship and play. The immediate, instant swing of the opening "It's All My Imagination" -- which itself recalls Mercier Descloux's unfulfilled dream of wanting to bring her South African collaborators to Louisiana for a Cajun collaboration -- sets the tone for the album beautifully. From there, Mercier Descloux and company are off to the races, with the familiar, sweet tone of highlife guitar, the loping, energetic bass and beats, and the dramatic, beautiful backing vocals filling the mix in a hyperactive but never totally chaotic overdrive. Hearing Mercier Descloux's lovely voice sweetly moving through the words of "Abyssinia," the brilliantly titled "Dolby Sisters Saliva Brothers," and "Queen of Overdub Kisses" is just flat-out marvelous. "Mais où Sont Passées les Gazelles?," a French hit single, captures the overall blend in excelsis, but no less notable is the strutting beauty of "L'Eclipse," the pure boulevardier swing of "Les Dents de L'Amour," or "Wakwazulu Kwezizulu Rock," with a descending horn part in the chorus to die for. Perhaps only labelmate Kid Creole could have come up with something so unique as this at the time, so embracing and full of life.
Ned Raggett / AllMusic